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작가의 작품을 관람해 보세요.

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1.
人間像 I, 91.0 x 91.0 cm
2.
人間像 I, 162.2 x 130.3 cm
3.
Infected Self Portrait, 130.3 x 162.2 cm
4.
Infectious, 24.2 x 33.4 cm

작가노트

곤충이 나무에서 영양분을 섭취하고 그 곤충은 기생 생물의 숙주가 되어 동충하초가 된다.
자연 속에서 생명체들은 자신만의 방식으로 생존한다. 생존하기 위한 기생은 공생의 한 형태이기도 하다. 한 생물이 이득을 취하면 다른 생물체는 불가피하게 해를 입는다. 기생을 ‘필연적인 희생’을 조건으로 하는 행위라고 정의하여, 인간에 은유하여 이러한 불균형한 관계의 흔적들로 인해 변형된 인간의 모습을 표현하고자 한다.
강성주
1.
Regret, 162.2 x 130.3 cm
2.
The Way Home, 162.2 x 97.0 cm
3.
Deep Deep Drown, 116.8 x 91cm, 116.8 x 72.7cm,

작가노트

본 작가의 작업은 생명의 탄생과 함께 부여받은 삶을 치열하게 살아가며 다양한 감정과 마주하는 경험을 다룬다. 작가는 자신의 삶 속에서 가장 강렬하게 느꼈던 감정을 특정 상징물에 투영하여, 개인적이지만 개인적이지 않은 삶에 대한 이야기를 전하고자 한다.
작가는 인생을 여정으로 보고 그 목적지를 '집'으로 비유한다. 여기서 뜻하는 집은 단순한 물리적 장소가 아닌, 마음이 편안하고 해방되는 내적 안식처다. 현실에서는 끊임없는 목표와 과제가 있기에 인생의 끝에 도달할 수 있는 평온하고 해방된 상태를 꿈꾸며 이를 이상적인 집으로 상상한다. 이 과정을 통해 현실과 이상 사이의 괴리를 탐구하며, 인생의 궁극적 목적지에 대한 철학적 고찰을 담고 있다.
그중 작품 ‘Regret’은 목표와 그 허상에 대한 성찰을 담았다. 삶은 목표를 설정하고 이를 향해 끊임없이 달려가는 과정의 반복이다. 그러나 때로는 우리가 열심히 세웠던 목표가 실체 없는 허상임을 깨닫게 될 때가 있다. 왜 우리는 현재에 머무르지 못하고, 행복을 미래에 둔 채 끊임없이 나아가는가? 미래에 두었던 그 무엇인가가 사실 허상일 수 있음을 이야기하며, 목표를 잃고 방황했던 경험을 이야기하고자 한다. ‘Regret’은 작가 자신이 겪었던 방황을 작가의 목적지인 집을 불태움으로써 목표에 대한 상실과 방황을 드러낸 작품이다.
김리하
1.
Complex Series 06, 162.2x112.1cm
2.
Complex Series 05, 60.6x60.6cm
3.
Complex Series 04, 50.0 x 150 cm

작가노트

콤플렉스는 무의식적인 감정이나 관념으로 우리의 행동과 인식에 강하게 영향을 미친다. 칼 구스타프 융은 언어 연상 시험을 통해 콤플렉스의 존재를 확인했다. 현대 사회에서 외모 콤플렉스는 많은 사람들에게 큰 영향을 미치며, 이는 자존감 문제와도 연결된다. 나의 경우, 아토피 피부염으로 인한 흉터로 외모 콤플렉스를 겪어왔고, 이를 숨기기 위해 노력해왔다.
그러나 더 이상 그런 것에 얽매이지 않고 콤플렉스에 대한 나의 부정적인 생각을 긍정적으로 전환하고자 했다. 그래서 있는 그대로 자연스러운 상태인 내 몸을 자연 경관의 일부로 상상하여 그곳에 동화되고자 했다. 한국 사회에서는 많은 사람들이 콤플렉스를 가지고 살아가며, 이는 사회적 압박과 타인의 시선에 기인한 경우가 많다. 이 작품을 통해 관객들이 콤플렉스를 극복하는 새로운 방법을 생각해 보고, 자신의 콤플렉스를 긍정적으로 받아들일 수 있기를 바란다.
김명주
1.
흐엇, 91 x 116.8 cm
2.
plie a quart, 162.2 x 97 cm
3.
느억, 112.1 x 162.2 cm

작가노트

나의 그림은 몸짓으로 확장되는 몸의 시각적 언어의 회화적 감각이다.
몸의 첫 시작점은 내가 관음 되는 순간의 특수성에서 시작되었다. 무대 위에서 관람 되던 내가 아닌 모델 일을 하던 중 정적인 순간에 나의 찰나를 포착하고 변화하는 옷매무새를 관찰하는 수많은 시선으로 관찰되는 경험이 즐거웠다. 그래서 나 자신의 몸을 어떠한 관점으로 바라볼지가 궁금해졌다. 처음에는 관음적인 그림을 그렸다. 몸의 움직임을 내가 갈망하는 신체상을 찾고자 근본적인 몸의 주체성을 고민하며 회화에 무용의 몸짓과 에너지 표현에 이르렀다.
어렸을 때 내게 그림과 발레가 전부였고, 그 속에 빠져서 살았기 때문에 지금의 내가 있다. 그 옛 기억 사이의 움직임에 대한 경험을 떠올리며, 현재의 내가 춤을 추며 다시금 내 몸의 기억과 힘을 읽으며 그 강약을 살펴본다. 발레는 정해진 기준선과 그에 의해 도달할 수 있는 완결점이 있는 예술이라 생각한다. 몸에 완벽성을 요구하며 지방이 없는 단단한 내 몸이 필요하다. 관절 사이 윤활유가 발린 듯 몸은 유연하게 잘 움직여야 하며 뼈가 미끄러지지 않도록 물리적 근력이 있어야 한다. 엄격한 기준과 이를 달성하고 통제할 때 오는 성취감, 쾌감, 완벽함을 느낀다.
움직임, 사소한 몸짓, 그것이 만들어내는 선과 그 흐름을 관찰하고, 직접 행동하고, 그러한 나를 살펴보고, 근육을 느끼며 체험하고 몸짓을 찾고 이어진 하나의 춤을 만든다. 몸을 섬세하게 다루며 근육에 들어가는 순간적인 힘을 느끼고, 몸짓하며 늘려지는 각 신체 부위의 유연함을 쾌감 한다. (*쾌감 하다: 감각적 쾌락을 느끼는 것 따위를 이루는 말)
길거리를 걸을 때 유리창과 건물의 거울에 비치는 순간에 움직이는 나를 본다. 걸음걸이부터 누웠을 때 몸의 형태까지 몸의 모든 사소한 움직임을 기억하고 이동하는 힘의 모양을 느끼며 어떻게 보일지 상상해 본다. 춤을 추며 동작을 위해 어느 부분에 힘이 들어가고, 빠지는지 그리고 몸에 밸런스를 다르게 두었을 때 순간적으로 느껴지는 전체적인 힘의 형태는 어떤지 생각한다. 여러 춤 동작으로 몸짓 관계의 틈을 엮는다. 몸을 기하학적으로 쓰며 일상적이지 않은 형상을 만들어서 어느 부분에 어느 정도의 힘이 순간적으로 요구되는지 살핀다. 이를 통해 몸짓은 흐름이 되고, 그 경계를 이어주는 순간을 감각하며 전후 동작의 연결의 부드러움과 자연스러움을 탐구한다. 몸이 움직일 때 그 사이 틈으로 흐르는 공기의 유연함을 통해 공간을 구성하며 행위 한다.
몸을 보는 것뿐 아니라 내가 몸짓을 하는 행위자가 되어 각 기관이 상호작용하는 몸의 관계를 느끼고 신체-언어에 대해 그린다. 모든 에너지가 체내에서 제각기 흐르다가 몸짓과 함께 하나의 기로 모여 응집된 순간을 감각한다. 일반적이지 않아 어색한 동작의 모양은 이를 뒷받침해 준다.
몸의 각 기관이 상호작용하는 흐름을 읽어 인간만이 할 수 있는 감각적 형태를 그린다.
나의 이상적 신체상은 유연하고 섬세하며 얇고 긴 선은 유려하며 동시에 폭발하는 강한 에너지를 가진 것이다.  강제해야 존재하는 것이 아닌 나에게 항상 존재하는 나의 몸에 담긴 고유 에너지를 쓴다. 있는 힘껏 모든 것을 쏟아내며 평면을 더듬는다.
그림은 순간성에 대한 집중과 포착으로 이뤄져 있다. 몸을 미친 듯이 써본 사람만 알 수 있는 춤과 몸짓의 현장성과 다양성이 주는 밀도를 포착한다. 사소한 것에 좌우되는 몸의 표현력을 최대치로 만들기 위해 거울의 나와 속근육의 움직임을 관찰한다. 나만 아는 사소한 순간을 하나씩 찾는다. 동작 사이의 순간을 즐기며 몸짓을 찾고 손으로 물감을 듬뿍 퍼서 온몸과 힘으로 손끝을 지휘하며 캔버스를 활보한다. 그림을 그리는 행위는 사실 길어야 30분이다. 그러나 이를 위해 정말 많은 에너지를 쓰며 준비하고, 그림을 그리면 비로소 내 몸의 에너지가 사용되었음을 느낀다. 몸짓을 찾으려는 움직임이 또 다른 춤이 되어 에너지를 농축하여 화면에 쏟는다.
김서연
1.
Frightful Fantasies, 130.3 x 162.2cm
2.
Frightful Fantasies, 부분도
3.
Whispers of the Unconscious, 97.0 x 162.2 cm
4.
Whispers of the Unconscious, 부분도

작가노트

<Frightful Fantasies>
이 작품에서는 우리 잠재의식의 그림자 속에 종종 숨어 있는 불안을  귀여운 괴물로 의인화하여 두려움의 개념을 탐구합니다. 이 생물들은 장난스럽고 사랑스러워 보이지만 우리의 경험과 감정을 형성하는 더 깊고 종종 인정되지 않는 강력한 두려움에 대한 상징 역할을 합니다.
여기 그려진 괴물은 실패에 대한 두려움, 거절에 대한 불안, 미지의 것에 대한 두려움 등 현실에 있는 사소한 두려움 또한 나타냅니다.
이 그림은 이러한 감정을 두려워하거나 피해야 하는 것이 아니라 오히려 이해하고 직면해야 한다는 것을  악몽이라는 매개체를 통해 상기시켜 줍니다. 두려움을 인정할 때 우리는 삶에서 두려움이 만들어내는 장벽을 허물어지면서  성장과 자기 발전이 기능해진다고 믿습니다.
<Whispers of the Unconscious>
우리 정신의 어두운 구석에는 괴물이 숨어 있습니다. 그들은 구석에 숨어 있다가가  우리 무의식의 깊은 곳에서 솟아 나와 밤에 나타나 우리의 꿈을 괴롭게 하고 무시하려고 하는 우리가 가지고 있는 취약성을 상기시켜 줍니다.
이 악몽 같은 괴물과의 만남을 통해 우리는 어둠 속에서 속삭이는 불안, 우리 안에 짊어지고 있는 해결되지 않은 고통을 극명하게 머릿속에 상기시킵니다.
이러한 포착하기 어려운 두려움을 인정하고 받아들임으로써  우리 자신의 숨겨진 부분을 탐구하고, 너무 오랫동안 묻혀 있었을 수도 있는 감정을 알 수도 있습니다.
이러한 수용을 통해 우리는 마음의 복잡성을 탐구하며 성장합니다.
김선빈
1.
Hawwāh, 112.1×162.2cm
2.
Hawwāh, 부분도
3.
diD, 24.3 x 19.5 cm
4.
π, 가변크기

작가노트

김수빈 작가는 낙오자에 대한 관용이 없어진 사회의 구성원으로서 도전에 염증을 느꼈고, 무기력만 남은 자신이 산송장과 다를 바 없다고 의식하였다. 작가의 지각 세계에 따라 뒤처질 것은 분명하지만 이미 지친 시점에서 대단한 목표를 세우는 일은 불가능에 가깝다. 이러한 현실에 작가는 숨쉬는 것 그 자체가 유일한 삶의 목적이 되고, 도태되기 전 첫 목표를 ‘생존’으로 결심한다. 화면 내 몸을 던지거나 갈증의 몸짓처럼 마지막 순간을 담은 듯한 모습은 순탄치 않은 생존을 보여준다. 그럼에도 위태로운 상황 속 담담히 관람객을 응시하는 눈동자는 지워지지 않는 삶의 의지를 투영한다. 이렇게 작가는 여의치 않은 세상에서 살아남는 과정이 드러난 작업을 통해 비슷한 삶의 누군가가 위로되고 해방될 수 있길 바란다.
김수빈
1.
Edge of Dreams, 112.1 x 162.2 cm
2.
Edge of Dreams, 부분도
3.
Edge of Dreams, 72.7 x 90.0 cm
4.
Edge of Dreams, 72.7 x 90.0 cm

작가노트

꿈과 현실의 경계를 흐리는 인물은 인간의 내면에 시선을 이끈다. 자연의 순환과 생명의 아름다움을 상징하며 동시에 존재의 덧없음과 감정의 깊이를 표현한다. 캐릭터의 비현실적이면서도 몰입을 유도하는 시선은 우리가 인식하는 현실의 경계를 넘어 존재론적인 질문을 던지고 작품의 분위기를 통해 감성적 서정미를 더하고자 한다.
<Edge of Dreams> 시리즈는 꿈과 현실의 경계를 넘나드는 캐릭터를 통해 인간의 내면과 정체성을 보여준다. 각 캐릭터에 새겨진 꽃과 나비 문신의 생명의 유한성과 자연의 순환을 상징하며 감정의 흐름을 시각적으로 표현한다. 흐릿한 색채와 몽환적인 분위기를 통해 현실과 비현실이 뒤섞인 세계를 구현하고 관람자는 캐릭터의 시선과 몸짓을 따라가며 그들의 내면을 직관적으로 느낄 수 있도록 의도한다.
김지원
1.
서울,향유[享有];쾌락, 91.0 x 116.7 cm
2.
서울,향유[享有];쾌락, 부분도
3.
서울,향유[享有], 162.2 x 97.0 cm
4.
서울,향유[享有], 부분도

작가노트

“가장 솔직하게 표현된 감정은 가장 직관적이다.”
이 문장은 제 ‘향유(享有)’ 시리즈의 핵심이자, 제가 그려내는 도시, 특히 서울이라는 공간과 그 속에서 살아가는 사람들의 감정을 포착하는 데 중요한 역할을 합니다. 제 작업은 도시라는 무대에 사람들의 감정을 투영하고 그 감정을 시각적으로 표현하는 데서 시작됩니다.
저는 도시를 단순한 물리적 공간이 아니라, 그 안에서 얽히고설킨 수많은 이야기와 감정들이 살아 숨 쉬는 복합적인 장으로 보려고 합니다. 서울의 거리와 건물들은 그 자체로 하나의 배경처럼 보일 수 있지만, 그 안에서 살아가는 사람들의 다채로운 감정들은 무한히 흐르고 변화합니다. 이러한 감정의 흐름을 색과 형태로 풀어냈습니다.
색은 저에게 감정을 표현하는 가장 원초적이자 본질적이고 직관적인 도구입니다. 열정, 분노, 차분함, 고독, 적막, 활기. 다양한 감정들이 혼재되어 있는 모습은 마치 서울의 다채로운 풍경을 닮아 있습니다. 또한 프리핸드로 그려진 불규칙한 형태들을 통해 도시의 구조적 복잡함과 그 속에서 살아가는 사람들의 예측 불가능한 감정들을 표현하고자 했습니다. 완벽하게 정돈되지 않은 선들은 우리의 일상처럼 때로는 불안정하고, 때로는 즉흥적인 감정의 결과물입니다. 서울이라는 도시는 그 속에서 각기 다른 감정들을 경험하게 하며, 그 복잡한 감정의 흐름 속에서 우리는 스스로를 발견하고 살아있음을 느끼게 됩니다. 때문에 ‘향유(享有)’ 시리즈는 도시의 특정한 순간을 포착한 것이 아니라, 그 안에서 매 순간 겪는 감정의 파편들을 시각적으로 풀어낸 과정이라 할 수 있습니다.
도시의 외형은 시간이 지나면서 끊임없이 변화하고, 그 안에 살아가는 사람들의 감정 역시 끊임없이 움직이고 변합니다. 이 감정의 변화는 일상 속에서 미묘하게 드러나기도 하고, 때로는 강렬하게 표출되기도 합니다. 제 작업은 도시라는 배경 속에서 이러한 무형의 감정이 어떻게 시각적으로 형상화되고, 그것이 우리의 삶에 어떤 흔적을 남기는지를 탐구하는 과정입니다. 이 과정에서 작품 속에 담아내는 선과 색은 도시의 물리적 구조를 넘어, 그 안에서 살아가는 사람들의 내면을 담아내려는 시도이자 기록하는 시각적 언어입니다.
제 작업을 통해 관람자들이 단순히 도시의 외형을 보는 것이 아니라, 그 안에 숨겨진 자신의 감정들을 발견할 수 있는 매개체가 되기를 바라며, 복합적인 층위로 얽혀있는 도시와 감정의 복합성을 발견할 수 있기를 바랍니다.
류다인
1.
퓨어퓨어하트, 130.3 x 162.2 cm
2.
히토리, 91.0 x 91.0 cm
3.
키라키라데이즈, 97.0 x 162.2 cm
4.
한국인은 밥심이라구욧!, 162.2 x 130.3 cm

작가노트

나는 사람들과 가까워지고 싶었지만, 가까워질수록 오히려 멀어지는 경험을 했다. 그 과정에서 느낀 질투는 내 작업의 주제가 되었다. 이 감정을 표현하기 위해, 그 당시 내가 갖지 못했던 도시락을 소재로 삼았다. 이번 작업 [한국인은 밥심이라구욧!]에서는 내가 밥보다 밀가루 음식을 더 좋아하지만, 한국인으로서 밥과 떼려야 뗄 수 없는 점을 떠올리며 작업을 진행했다. 마찬가지로 질투심도 나에게서 떼려야 뗄 수 없는 감정이었다. 질투라는 감정은 미성숙하고 소녀적인 감정이지만, 나는 그것을 인정하고 내 마음속 어린 시절의 감정들에 집중하게 되었다.
내 작업은 주로 나와 같은 시대를 살아온 젊은 여성들이 공감할 수 있는 소재들로 이루어져 있다. 특히 2000년대 초중반 투니버스에서 방영된 슈가슈가룬, 꿈빛파티엘, 그리고 케이온과 같은 소녀 일상 애니메이션에서 큰 영감을 받았다. 이 이야기들은 우리의 추억 속에 자리한 기억들을 떠올리게 한다. 모두가 소녀였던 시절, 그 시기에만 느낄 수 있는 맑음이 있었다. 그러나 동시에 소외감과 질투심처럼 아직 성숙하지 못한 감정들도 함께했다. 나는 이 모든 감정들이 합쳐진 것이 '소녀력'이라고 생각한다. 앞으로도 나는 이 소녀력을 잃지 않기를 바란다.
박주홍
1.
어두워지기 전에, 62.2 x 130.3 cm
2.
작은 사랑의 장소, 112.1 x 145.5 cm
3.
어느 푸른 저녁, 162.2 x 130.3 cm
4.
새벽의 단편, 162.2 x 97.0 cm

작가노트

자아와 자아, 자아와 타자, 자아와 공간이 관계 맺음으로 기인하는 변화들은 예상치 못한 순간에 나타났다 사라지는 감정들을 일으킨다.
불안의 감정은 주로 온전히 나로서 존재할 때가 아닌 외부와의 관계 맺는 과정에서 나타났다. 과거의 자아와 현재의 자아가 관계 맺을 때, 타자와 관계 맺고 사회 속에서 자아가 재정의 될 때의 불확실함으로부터 발현됐다. 사회와 관계 맺을 때에 내가 기억하는 나와 다른 나의 모습, 낯선 나의 모습을 마주할 때의 감정들은 혼란을 불러일으켰다. 이러한 불완전한 감정으로부터 느껴지는 다양한 시공간의 감각을 심리적 풍경으로 담아내고자 하였다.
작품에서 등장하는 자연물들은 사회 속 개인들을 나타낸다. 그리고 자연물들을 둘러싼 공간은 개인들이 살아가는 사회를 의미한다. 공간과 자연물로 이루어진 화면은 잘 짜인 틀 같지만 콜라주 된 실재 공존할 수 없는 화면이다. 나는 사회와 관계 맺는 개인이 이러한 아이러니를 가진다고 보았다. 물, 얼음, 눈, 오래된 집들은 사실 자연물이 살아가기에 적합하지 않은 환경을 가졌지만 화면 안에서는 자연물과 관계 맺고 있다. 사회 속의 살아가는 개인도 사회와 상충되는 개개인의 특성을 가졌지만 결국 하나의 사회로 존재한다. 나는 이 현상이 하나의 사회로 관계 맺기에 어려운 개인들이 사회에서는 함께 존재할 수밖에 없는 아이러니를 가진다고 보았다. 내가 그려내는 풍경도 이와 같이 불완전하고 불안한 상태이다. 콜라주 된 디지털 화면에서 캔버스로 옮겨질 때의 섞여지고 모호해지는 유화의 기법은 사회 안에서의 낯선 자아를 표방한다. 온전한 형태보다는 흔들리는듯한 형태를 만들어내며 불안의 감정과 그 미묘함을 표현한다.
우리가 알고 있던 사회의 모습이 아닌 개인의 감각과 시각으로 재구성된 이미지를 통해 동시대적 관계를 되돌아보는 계기를 제시한다.
배하윤
1.
날 잊지 말아요, 50 x 72.7 cm,
2.
담금주, 70x150cm
3.
옆에 있잖아요, 50 x 72.7 cm
4.
만찬, 80 x 30 cm

작가노트

육면체는 입체 기하학에서 6개의 면, 8개의 모서리, 12개의 꼭짓점을 가진 3차원 도형으로, 모든 면이 서로 직각 또는 평행을 이루고 있다. 점, 선, 면으로 이루어져 그 자체의 힘으로 안전한 형태를 취한다. 육면체의 각 면은 서로 연결되어 있는데 이것은 각 면이 서로를 보완하고 지탱함으로써 전체 구조의 안정성을 높인다. 한 면이 변화하면 다른 면들도 그 변화에 따라 조정되어 모든 면이 서로에게 균형을 유지하고 있어 외부에서 가해지는 압력이나 힘에도 안정적으로 대응할 수 있다. 육면체는 각 면과 모서리가 균형 있게 조합되어 있고 모든 면이 동등하게 중요하며, 이들은 서로 연결되어 있어 안정성을 제공하는 구조를 가지고 있다. 이러한 특징은 우리에게 안정감을 주며 안전하고 견고한 구조를 형성한다.
나는 이러한 육면체의 기하학적 특징을 바탕으로 ‘기억’이라는 추상적이고 임의적인 형태를 ‘육면체’로 상징화한다. 우리의 기억은 과거의 경험과 사건들로부터 파생된다. 과거의 경험, 감정, 시각적 이미지, 냄새, 소리 등 다양한 측면이 모여 기억을 형성한다. 기억은 서로 연결되고 지지될 때 더 강화되고, 한 사건에 대한 기억은 관련된 다른 기억들을 활성화할 수 있다. 청각, 후각, 미각과 같은 감각적 요소들이 기억과 연결될 때, 기억은 더 풍부해지고 쉽게 회상된다. 마치 육면체의 면들이 서로를 지지하여 구조적 안정성을 높여주는 것처럼 말이다. 이와 같이 육면체의 기하학적 특성과 기억의 메커니즘을 탐구함으로써, 기억과 육면체의 은유적 연결고리를 만들었다.
나는 기억들을 가꾸고 다듬어 보관하고 저장하고 간직한다.
손가연
1.
무제 2024, 부분도
2.
무제 2024, 130.3 x 162.2 cm
3.
하루 한달 한해, 63 x 116.5 cm
4.
부산물, 116.5 x 63 cm

작가노트

‘방울’ 시리즈는 시간에 쫓겨 자신조차 모른 채 지속이라는 이유만으로 내쉰 아득한 숨 한 번을 이해할 수 있도록, 필연적인 상황 속에서 발생하는 것들에 대한 호기심에서 시작되었다. 그중 나는 강박관념에 관한 의문을 시작으로, 저마다 가진 이 특성이 우리를 보호하기 위한 하나의 안식처임을 가정한다. 그리고 겨우 숨 쉬는 현대인들이 이 내면의 안식처에서 공존하는 방법을 스스로 배워나가는 과정을 표현하기 위해, 방울이라는 소재를 사용하여 캔버스의 공간에 담아본다. 연필을 사용해 한 방울씩 섬세하게 이어붙이는 방식으로 그들이 모여 갖는 형태에 집중한다. 나는 사람들의 시간이 결집된 작고 둥근 덩어리가 가진 생명력에 영감을 얻어 이번 작업을 통해 각자가 겪는 동질감으로부터 위로를 건네고 평안함을 찾아본다. 그리고 수많은 작은 원들의 중첩을 지속시키는 과정을 통해 시간의 유동성을 물리적으로 접근해 본다. 시간이라는 상대적 기준에 타자에게 새로운 감각을 전달하고, 수행과 노동을 기울여 그 메시지를 전달하고자 한다.
송세화
1.
쉼4, 162.2 x 130.3 cm
2.
쉼5, 162.2 x 130.3 cm
3.
쉼3, 162 x 162 cm
4.
쉼2, 부분도

작가노트

현대 사회를 살아가는 우리에게 정신적 스트레스는 너무나 흔하게 경험할 수밖에 없는 필연적 문제라고 할 수 있다. 이러한 스트레스는 사람마다 다르게 발현되어 나타나는데, 그 발현되는 형태와 강도에 따라 보이는 양상은 너무나도 다양하다. 예를 들면, 직장 관계, 교우관계, 경제적 문제, 가정의 불화 등 다양한 이유로 우리는 스트레스에 노출될 수 있고, 이러한 상황을 받아들이는 모습은 사람마다 다른 것이다.
결과적으로, 우리는 스스로가 스트레스를 받고 있음을 인식하지 못하거나, 스트레스를 받는 것이 정상적이고 불가피한 것으로 생각하게 된다. 이런 인식은 긴장과 불안감을 지속하게 만들며, 개인이 스스로의 정신적, 신체적 건강에 더 큰 피해를 입기 전까지는 대처하지 않으려는 경향을 초래하기도 한다. 바쁜 일상 속에서 감정을 제대로 처리하거나 마주하는 데 시간을 할애하지 않으며, 오히려 스트레스를 일시적으로 잊기 위해 다양한 방식을 찾는다. 예를 들어, 과도한 소비, 미디어 과몰입, 술이나 음식 등으로 일시적인 해소를 시도한다. 이러한 회피적 대처는 일종의 '정신적 면역 반응'처럼 작동하며, 사람들은 자신의 감정을 직면하는 대신 일시적으로 무시하는 선택을 하게 된다.
나는 쉼의 공간에서 일어나는 무의식적인 행동을 그린다. 나는 이것을 휴식이 주는 속임수라고 말하고 있다. 나에게 휴식은, 그 고요함이, 오히려 더 민감해지며 예민해지는 시간으로 작용한다. 그 예민함은 손끝에서 거스러미를 뜯는 본능적인 하나의 행위로 나타난다. 이 반복적인 행위는 단순한 습관을 넘어서서 감정을 표출하는 감각적이고 물리적인 과정으로써 내면과 대면하는 하나의 수행 도구이다. 그와 동시에, 흐릿하게 자리 잡고 있는 불안과 대면하기 위한 방어기제로 작용하며, 긴장을 억누르고자 하는 무의식적인 시도가 되기도 한다. 이 붉은색의 행위는 결국 휴식이라는 이름 아래 숨겨진 고통을 직면하게 만든다.
작품 전반을 가득 채운 옅은 모래색은 실제 나의 자취방을 가득 채운 노란 백열등과 닮은, 나에게 가장 안전하고 개인적인 색이다. 투명하고 잔잔한 인체는 배경과 같은 톤으로 스며들어 고요한 휴식의 순간을 말하고자 한다. 화면에 안착 되어있는 인체의 담백한 표현과 대조적으로 손끝을 집중시킨다. 눈에 보이지 않는 내적 긴장은 이 붉은 행동을 통해 시각적으로 드러나게 된다. 불안감으로 인해 끊임없이 뜯겨진 손은 상처와 따가운 고통으로 인해 붉게 부어오르고 속살이 드러나 있다. 같이 붉은빛이 감도는 코는 일상을 회피하기 위해 마신 술 일 수도, 스트레스로 인해 얼굴에 가득했던 여드름의 붉은 기일 수도 있다. 이러한 관찰을 통해 나는 관객들에게 당신의 휴식의 모습은 어떠한지, 스트레스의 처리는 어떻게 하고 있는지 생각해 볼 것을 권한다.
송유진
1.
쌍둥이, 130.3 x 162.2 cm
2.
쌍둥이, 부분도
3.
자유의지, 116.8 x 91 cm
4.
자유의지, 부분도

작가노트

<자유의지>
현실에서 자유의지는 종종 환상처럼 보인다. 우리는 정말로 보이지 않는 제약 속에서 자신의 의지로 선택을 하고 있는 것일까? 마치 작품 속 마법진에 묶여 있는 유니콘들이 우주를 자유롭게 향유하는 유니콘을 부러워하듯, 나는 자유를 갈망하지만 현실의 한계에 묶여 있다.
돈, 시간, 사회적 규범, 그리고 때로는 내면의 두려움까지, 그 모든 것이 나를 억누르는 마법진, 즉 속박처럼 느껴진다. 스스로 자유로운 선택을 할 수 있다고 믿고 싶지만, 그 선택들이 정말 나의 의지에서 비롯된 것인지, 아니면 보이지 않는 제약에 의해 제한된 결과인지 혼란스러울 때가 많다. 그럼에도 불구하고, 그 한계 속에서 자유를 꿈꾸는 갈망이야말로 인간 의지의 본질을 드러낸다고 생각한다. 어쩌면 그 갈망 자체가 인간이 가진 가장 순수한 자유의지일지도 모른다. 나는 비록 마법진에 갇혀 있지만, 그 속에서도 자유롭게 날아다니는 유니콘을 바라보며 더 나은, 더 자유로운 삶을 상상하고 꿈꾼다.
<쌍둥이>
세상은 상반된 요소들이 서로를 보완하며 조화를 이루어 살아가고 있다. 낮과 밤, 해와 달, 하늘과 땅은 상반된 속성을 지니고 있지만, 이들은 서로를 필요로 하며 함께 존재할 때 균형을 이룬다. 낮이 있기에 밤이 더 깊어지고, 밤이 있기에 낮이 더욱 빛난다. 그 속에는 대립이 아닌 조화가 자리 잡고 있다. 작품 속 쌍둥이 토끼도 이와 같다. 비슷한 외형을 가지고 있지만, 각기 다른 면을 지닌 두 토끼는 상반된 특성들이 공존하며 조화를 이루는 모습을 상징하고자 했다.
신지윤
1.
디어제이, 162.2 x 130.3 cm
2.
디어제이, 130.3 x 162.2 cm
3.
디어제이, 72.7 x 53 cm

작가노트

애니메이션은 현실의 금기를 가볍게 웃어넘길 수 있는 환상의 세계다. 나는 만화를 통해 가상의 세계를 풀어내지만, 이야기 속 주인공에게는 항상 나의 일부분이 투영된다. 무의식중에 나를 닮은 인물의 세계를 따라가다 보면 잊고 있던 기억들이 떠오르기도 하고, 새로운 관점이 생기기도 한다. 이렇게 만들어진 인물을 그리는 행위는 그림 한 장으로도 이야기가 느껴지도록 하는 의도에서 비롯되며, 자아를 찾아가는 과정이다. 캔버스로 들어와 회화적으로 재구성된 만화 속 장면들은 다각적인 모습으로 변화된다. 회화 곳곳에 등장하는 만화적 표현은 환상의 세계를 암시하며 현실과 가상을 잇는 매개체 역할을 한다.
유정윤
1.
무제, 130.3 x 162.2 cm
2.
무제, 부분도
3.
기억, 116.8 x 91 cm
4.
기억, 부분도

작가노트

나는 빛의 색과 반짝거림을 좋아한다. 물에 비쳐 빛나는 윤슬이나 낮에는 알 수 없는 어두워야 보이는 화려한 조명과 야경들. 밝을 때나 어두울 때나 어디에서나 이것들은 반짝이며 그 반짝임은 나의 마음을 몽글거리게 하고 더 나아가 알 수 없는 기분으로 이상하게 만든다. 형체가 없이 번지는 듯한 여러 색들의 조합에 또 다른 색이 만들어지는 아름다움.
온 세상에 색이 번져 물들 때 멍하니 그것을 계속해서 보곤 한다. 나는 이러한 색감과 빛의 반짝임을 보는 사람들도 그곳에 들어간 듯한 느낌을 느낄 수 있게 이질적이고 과장하여 표현하고자 하였다.
유채민
1.
Sanbo, 80.3 x 116.8 cm
2.
See Me, 97 x 145.5 cm
3.
Up, 112.1 x 162.2 cm
4.
Finding True Love, 112.1 x 162.2 cm

작가노트

나는 풀을 좋아한다. 그중에서 식물원이나 화단에 예쁘게 정리된 풀들이 아닌, 길가나 뒷산에 무성히 자란 잡초들을 좋아한다. 강한 생명력을 지닌 잡초는 고유의 즉흥적인 에너지를 갖고 있으며, 이를 기반으로 자연이 나에게 일으키는 내적인 감흥을 낙서하듯 그은 선들과 힘 있게 누른 터치로 표현하며 동시에 풀의 기억과 경험을 내재화하고자 한다.
“느낌은 그 이상이다. 그것은 존재 자체를 느끼는 것이다”라고 조안 미첼이 대상을 관찰하며 살아있음을 느끼는 것과 같이, 나 또한 자연과 하나 된 마음을 갖고 그들을 바라보며 작업에 임한다. 그가 일상에서 느끼는 순간의 감각을 캔버스에 확장하듯이, 나의 작업 또한 기억과 감흥을 바탕으로 불완전하고 예측할 수 없는 형태를 캔버스 위에 실현한다. 작업은 풀과의 관계성에서 얻은 힘의 순간을 길게 만들며 그림을 그리는 의식적 행위를 통해 그 에너지를 체화한다. 캔버스에 옮기지 않는다면 교감의 순간은 찰나로 남는다. 그래서 나는 그림을 그리는 퍼포먼스를 통해 관계에서 느낀 감각을 실존하는 형태로 발전시킨다.
기억에 의거한 자연은 대상의 본질을 깨우치게 만든다. 떨어져 나간 이파리 위로 새싹을 갖고, 이미 구분할 수 없이 얽히고 설키며 자란 자연의 모습은 ‘자연스럽다’. 생명이 피고 지며 생기는 그 모든 것은 어느 것에도 얽매이지 않고 자유로워 보인다. 그것은 어쩌면 우리가 원하는 삶의 형태일 수 있다. 여유와 위안, 순수함만이 가득하다. 나의 작업을 통해 나와 풀이 존재하는 공간을 관람객에게 보여주고 또 초대하는 역할이 될 수 있기를 바란다.
이수빈
1.
살아갈 에너지를 찾았고 나는 뿌리를 내려 살아간다, 112 x 194 cm
2.
안식처도 성장을 한다, 116.8 x 91.0 cm
3.
Haven Story Series light, 30 x 23 cm
4.
Haven Story Series_ Expansion, 27 x 32.5 cm

작가노트

작가는 내면의 안식처와 현재 사회로부터 얻는 불안함으로 만들어진 공간이 서로 공존함을 재해석해 그림을 그리고 있다. 세계의 안온함을 구축해 퍼져 나가고 있으며, 안식처라는 공간의 탄생과 생명체들을 통해 이야기가 진행된다.
우리가 살아가고 있는 삶은 자신의 내면으로부터 시작이 된다. 안식처라는 공간을 내면에 구축하고 살아가며 느끼는 경험을 토대로 온전히 삶을 느낄 수 있는 곳으로 만들고자 한다. 이때 주어진 삶에 충실하며 행복하게만 살아가고 싶은 마음과 달리 불안이 밀려와 잠식이 되곤 한다. 현대사회로부터 영향을 받아 자신의 가치에 대해 판단을 하게 된다. 때때로 작가는 밀려오는 기준을 회피하는 것이 아닌, 우리 자체를 인정하며 행복과 불안이 함께 공존해 내적 충만 상태에 들어서고자 한다. 작가가 가진 긍정적인 내면의 면모와 사회로부터 영향이 섞여 공존하는 안식처의 형태는 새로운 이야기를 풀어내듯 그려낸다. 관람자들이 작가의 세계에 들어와 다른 차원과 소통을 하며 사회로부터 자신을 깎아내리는 것이 아닌 인정하는 과정을 밟았으면 한다.
이진주
1.
Phantom Sensation, 97 x 162.2 cm
2.
Phantom Sensation, 130.3 x 162.2 cm
3.
Phantom Sensation, 130.3 x 162.2 cm

작가노트

통증의 순간은 단순한 고통의 기억으로 남을 수 있지만, 감각과 기억은 시간이 흐르면서 왜곡되고 변형되기 쉽다고 생각한다. 예를 들어, 일주일 전에 아팠던 것이 지금은 그때의 고통이 어색할 만큼 흐릿해진 것처럼. 나는 이런 순간의 이질감을 몽환적인 이미지로 표현하며, 통증이 주는 통찰과 여운을 통해 삶의 복잡함과 아름다움이 드러나길 바란다.
다양한 감정과 경험을 시각화하기 위해 통증의 흔적에서 영감을 받아 작업한다. 얇고 스며드는 얼룩을 시간성이 담긴 깊이 있는 통증의 얼룩으로 표현하기 위해 고민하며, 통증의 시간적 측면에도 주목한다. 통증이 느껴지기 전의 긴장감, 절정에 달하는 순간의 압도감, 그리고 지나간 후의 잔상 등을 담아내고자 한다.
이현지
1.
동물가면_공기놀이 변형, Jooeun Jin, 130.3 x 162.2 cm
2.
동물가면_우리집에 왜왔니, 130.3 x 162.2 cm
3.
동물가면_전학생, 100 x 80.3 cm

작가노트

사람들은 어디서, 언제부터 부여받는지도 모르는 가면을 쓴다. 그들은 먹이사슬의 피라미드 안에서 자연스럽게 굴복하고 지배하는 법을 배운다. 그런 인간들이 한데 어우러져 여러 놀이를 즐기고 추억을 쌓으며 관계를 맺는다. 그 안에서 상하의 관계, 복속의 관계 같은 날 선 관계는 조용히 존재한다.
"동물 가면" 시리즈는 이러한 날 선 관계를 맺는 사람들의 모습을 어릴 적 경험해 보았을 익숙한 놀이와 특정한 상황을 배경으로 전개해 나간다. 작품에 등장하는 인물은 동물 가면을 쓴 인간과 가면을 부여받지 못한 도태된 최하위 계층 인간으로 나뉜다. 그런 인간들이 혼재됨으로써 느껴지는 미묘한 공기와 중압감을 담은 공간과 그곳에서 경험한 울렁거림, 초조함, 불안감 같은 느낌을 시각화하여 인물과 인물 사이를 지나는 선과 먹과 잉크의 제어되지 않는 퍼짐과 충돌로 표현된다.
우리는 현재 어떤 얼굴을 감추기 위해 어떤 가면을 쓰고 살아가는가? 허상을 걷어내고 진실한 모습으로 서로를 마주 보는 날이 오게 될까? 작품을 통해 각자의 관계 속 자신의 모습을 직면하고 무대 밖으로 나와 꾸며지지 않은 온전한 나를 발견하길 바란다.
진주은
1.
체리피커, 162.2 x 112.1 cm
2.
기억 표본_일본 오키나와, Jisoo Han, 21.9 x 40 cm
3.
기억 표본_베트남 다낭, Jisoo Han, 40 x 30 cm
4.
기억표본_제주도, Jisoo Han, 68 x 12 cm
5.
기억 표본_홍콩, Jisoo Han, 15.7 x 22.8 cm
6.
기억 표본_일본 유니버셜 스튜디오, Jisoo Han, 27 x 22 cm
7.
기억 표본_홍콩 디즈니랜드, Jisoo Han, 10 x 10 cm

작가노트

요즘 사회가 개인주의와 이기주의가 심해지고 있다고 생각합니다. 내가 100의 손해를 봤으면, 남도 100의 손해를 봐야만 하고, 내가 일을 100을 했으면 남들도 일을 100을 배야만 공정하다고 생각하는 것 같습니다. 그리고 오히려 남을 배려하는 사람에게 호구같이 살지 말라고 하고 스스로 손해보는 건가, 내가 어리석나 생각하게 만드는 사회가 아이러니합니다. 이런 동시대를 비판하고자 그림을 그리게 되었습니다. ‘체리피커’는 체리 케이크 위에 체리만 쏙쏙 빼어먹는, 개인의 이익만을 중요시하는 사람을 의미하는 단어입니다. 작품은 이 단어에서 모티브를 따와 자신이 먹고 싶은 것만 먹는 사람들을 그려 비유적으로 주제를 나타내고자 했습니다. 식탁은 작은 공동체이며 사회의 축소판입니다. 사회를 받아들이는 개인의 모습은 각기 다릅니다. 분개하는 사람도 있을 것이고, 남이 하니까 같이 따라가는 사람도 있을 것이고, 시대에 앞장서는 사람도 있을 것이며, 방관하는 사람도 있을 것입니다. 이런 다양한 군상을 각자의 접시 위에 투영하였습니다. 이런 사회의 사람들이 타인을 생각하지 않는 가벼운 사람들이라고 생각했습니다. 가벼움이라는 소재는 종이로 연결되어 각자의 자리를 종이로 표현하려고 했습니다. 이런 부정적인 사회를 어둡게 표현하고 싶진 않았습니다. 풍자하는 느낌이 나기도 하고, 오히려 아무렇지 않게 살아가는 모습을 보여주기도 합니다.
한지수
1.
불안은 영혼을 구제한다, 162.2 x 130.3 cm
2.
동일률의 경계, 116.8 x 80.3 cm
3.
영겁의 궤적, 가변크기

작가노트

내 작업은 열역학법칙, 즉 엔트로피 증가의 원리에서 출발한다. 모든 존재가 무질서를 향해 나아가는 자연의 흐름 속에서, 거미줄이 가진 자연적 순환과 균형에 주목한다.거미줄은 그 자체로 파괴와 재생을 반복하는 구조적 특성을 지니며, 그것을 구성하는 얇은 실은 무질서와 긴밀하게 연결된다.
거미줄의 생성 과정에서 영감을 받은 작품은 삶의 순환을 은유한다. 거미줄을 이루는 예민한 실은 건드릴수록 더 큰 혼돈을 불러일으키며, 그 실의 얽힘은 불안이 확장되는 과정을 상징한다. 실들의 모호한 형태는 불안의 유동적 본질을 드러내며, 질서가 무너지고 재구성되는 순간을 포착한다. 혼돈 속에서 질서를 찾으려는 이 강박적 시도는 본능에서 기인하며, 동시에 불안이 단순한 고통이 아닌 피학적 안정 상태로 이어질 수 있음을 보여준다. 여기서 ‘피학적 안정’은 불안과 혼돈을 겪으며 스스로 그 안에서 일종의 평형을 이루는 상태로, 불안을 견디면서도 안정감을 찾아가는 복잡적인 감정을 의미한다. 이러한 구상은 거미줄의 파괴와 재생이라는 이중적 특성에 기반해 전개된다.
실의 섬세한 질감과 미세한 잔털은 불안의 민감도를 나타낸다.작업에서는 이 잔털을 하나하나 새기며 불안의 민감도를 극대화하며 그 안에서 안정감을 모색한다. 실의 구조적 특성을 통해 불안이 고조되는 과정을 시각적으로 풀어내며, 이는 작품 속에서 불안과 질서가 교차하는 다양한 양상을 드러낸다. 결국 작품은 완전한 질서를 추구하기보다는 불완전함의 수용에서부터 시작하며, 불안과의 관계를 새롭게 조명한다. 이는 완벽함을 향한 강박에서 벗어나, 불안 속에서 새로운 안정 상태로의 이행을 상징한다.
황하영